Reseña: VNV National - Transnational (por Deni Olmedo)

Tracklist:
01.    Generator
02.    Everything
03.    Primary
04.    Retaliate
05.    Lost Horizon
06.    Teleconnect Pt.1
07.    If I was
08.    Aeroscope
09.    Off Screen
10.    Teleconnect Pt.2

¡Qué complicado es enfrentarse a un nuevo trabajo de una de tus bandas musicales de cabecera! Alguien que estás deseando que publique nuevo material. Que deseas escuchar nuevas cosas suyas porque todo lo anterior lo has devorado hasta la saciedad… Corres el peligro de que te guste haga lo que haga… De que te dé igual que publiquen la melodía más excelsa o el ruido más desagradable, porque de cualquier manera lo vas a adorar y te parecerá lo más de lo más. La novena maravilla del mundo. 

VNV Nation están en mi particular panteón de artistas a los que sigo incondicionalmente, vaya esto por delante. Junto a Depeche Mode, Front 242, Front Line Assembly o Leaether Strip, por ser escueto (podría completar la lista con otros 6 o 7 grupos / artistas). Así que creo que seré poco sospechoso cuando leáis lo que voy a decir. Transnational, que así se llama la nueva criatura de los anglo-irlandeses, no me gusta.

No, no me gusta.

Pensaba que dedicándole varias escuchas, esta opinión personal variaría.

Pero no sólo no ha variado, sino que me gusta menos…

¿Por qué?

Difícil pregunta. Los nuevos temas incluidos en Transnational suenan potentes. Son los VNV de siempre, los que crean melodías geniales. Los que dominan tanto la pista de baile como las baladas que emocionan. Los que crean temas instrumentales que te ponen la piel de gallina. Siguen ahí. Pero algo no funciona. No me cuadra. No me los creo. 

Sí. Quizá ese sea el quid de la cuestión: No me creo nada este Transnational.

Así que me pongo a escuchar inmediatamente Automatic. Y de repente el cielo se abre sobre mí. Todo me cuadra. Transnational es clavado a Automatic. Tanto, que los temas de este nuevo álbum parecen los que les han sobrado de la grabación del primero. Pero sin la frescura, la claridad de ideas de Automatic. 

A estas alturas más de uno/a ya estará poniéndome a caer de un burro. Bueno. Es el riesgo a correr por exponer tu punto de vista en público. Voy a intentar explicar por qué Transnational no me parece un buen álbum.

El primer tema del tracklist es Generator. Uno espera, como es habitual en todos, absolutamente todos los álbumes de VNV Nation, una intro instrumental. No es la excepción. Pero hay algo que ya me rechina: VNV sabe, como pocos grupos, hacer temas instrumentales. Épicos. Oscuros. Lentos. Rápidos. Cuando y como les apetece. Generator es un tema hecho a base de capas. Lanzan una secuencia. Cuando se completa ponen otra encima. Unos bajos distorsionados. Un sinte que se acopla encima. Una batería que se superpone. Unos charles que completan la percusión. Pero ahí se queda. No me llega. No me emociona. Es un coitus-interruptus. Comparado con otras intros (incluso mucho más cortas que este Generator) pierde por goleada. Nada que ver con la épica Chosen de Praise the Fallen, o con la deliciosamente oscura Prelude, de Testament. O con la magnífica Foreword de Futureperfect. Siempre, siempre, siempre todos los nuevos trabajos del señor Ronan Harris te agarran de la solapa en escasos 4 minutos de preparación para lo que se te vendrá encima. Ya te han ganado por goleada. Eres suyo. Y no me pasa con Generator. 

Generator enlaza con el segundo tema, Eveything. Y tras unos compases en que parece que van a aprovechar la estructura de la intro, llega la sorpresa: la voz de Ronan queda casi por completo oculta por unos sintetizadores para mi gusto demasiado elevados. Tanto que tengo verdaderos problemas para entender bien la letra… Y con esos acordes que suenan ya a escuchado en ese Automatic que será, desde este momento, la referencia de Transnational… De verdad que he tenido que escuchar varias veces,  incluso con distintas ecualizaciones este Everything. ¡¡No se escucha a Ronan!! ¿Fallo gordo de producción? Quizá. También soy consciente de que Ronan ha tenido problemas de salud que afectaban a sus cuerdas vocales… Pero su voz no suena demasiado distinta a otros trabajos. Así que me inclino a pensar que es un fallo gordo, muy gordo, de producción…

El tercer tema del tracklist, Primary, me confirma la impresión que se me ha quedado con el anterior tema: No oigo a Ronan. Cuando es acompañado sólo por una línea de sintetizador sí que se le puede seguir. Pero cuando saca la artillería su voz se diluye. Y no es un mal tema. Para nada. Es de los mejores que podréis encontrar dentro del álbum. Pero a estas alturas del álbum empiezo a estar enfadado. ¿Cómo es posible que suene tan mal la voz de Ronan? Que, de acuerdo, no es de las mejores del panorama musical. Pero es una voz con carácter. Muy especial y con sentimiento. Pero se escucha mal. Insisto, de nuevo: diluida. 

Y llega Retaliate. Que fue el tema elegido para presentar on line este nuevo trabajo. Aquí quiero hacer un inciso con esta moda que ha triunfado últimamente entre algunos grupos: Ya no publican un single de presentación, sino que lanzan un tema para descarga gratuita en internet. ¿Cuestión de ahorro de costes? Sin duda. Pero es una pena. Donde esté el single de presentación, con tres o cuatro versiones y un tema como cara b… ¡qué lástima! 

¿Por dónde iba? ¡Ah, sí! Retaliate. Este tema, como creo que a mucha gente que lo ha escuchado, nos ha puesto a la defensiva con lo que nos encontraríamos en el larga duración. He podido leer comentaros que acusaban a Harris de falta de inspiración. De letras facilonas. Yo no voy a caer en la tentación de hacer sangre con esto. Lo que lleva haciendo tantos años Ronan Harris es de un mérito mayúsculo. No escribe letras de canciones. Escribe pequeñas historias. Historias cotidianas. Con las que te sientes identificado. Y no creo que nadie, y menos alguien que no escribe, tenga la catadura moral como para criticar sus letras. Yo me voy a centrar en su estructura musical. Creo que sólo he escuchado un tema de VNV Nation tan difícil de escuchar: Entropy. Ambos dos son temas en los que la letra parece metida con calzador con la música. La voz se escucha mejor, sí, menos mal, pero queda de nuevo difuminada por unas secuencias de sinte que van a la contra. Desde luego, no es de lo mejor que he escuchado suyo, siendo benevolente…

Lost Horizon es el tema instrumental de Transnational. Y es una segunda parte de Photon (su análogo en Automatic). Tan parecido que parece copiado. Con el sonido más sucio que en Photon, el compás es el mismo. Tan parecidos que parece una versión… Bueno. Por supuesto. Pero ya escuchado antes.

Y empezamos con la parte lenta del álbum. Teleconnect Pt.1. Bonita. Emocionante… pero de nuevo.. ¡hay partes en que se escucha mal la voz de Ronan! En cuanto sube el volumen de los sintentizadores… A mí ya, en este punto, me indigna… El siguiente tema, If I was, sube ligeramente de revoluciones, convirtiéndose en una balada con piano y sintetizadores. Bonita. De lo mejor del álbum, sin duda alguna. Pero seguimos con la misma tónica, y ya sé que a estas alturas me hago pesado: la voz de Ronan en ocasiones desaparece tras la música.
Aeroscope (el segundo tema instrumenta del álbum) es una sorpresa: no sé si por lo experimental o por la apuesta por la electrónica deconstruida que es… Suena como si a un tema de Combichrist se le hubiera bajado un poco de ritmo… Absolutamente prescindible.

Off Screen es una vuelta al redil. A lo que VNV Nation sabe hacer como nadie: melodías que enganchan y emocionan. Pero, y todos los temas parecen tener un pero, de nuevo está la voz como principal problema para que la canción termine de explotar. No ya no está a la altura de la música, sino que está tratada, con un ligero eco, que termina de esconderla detrás de los sintetizadores, consiguiendo un cierto efecto fantasmagórico… ¿Es a posta? Si el resto del Transnational hubiera sido de otra manera, hubiera dicho que sí, que es algo buscado. Pero he terminado por creer que es la guinda final al mal tratamiento a la voz de Ronan Harris…

El álbum se despide con Teleconnect Pt.2. Un tema de más de 8 minutos, de los cuales son instrumentales los cerca de seis primeros y en los que la voz, una vez más, hace su aparición para acabar desapareciendo tras los acordes que, en teoría, deberían acompañarla, y no sobrepasarla…

Parece, a estas alturas, que esté en contra de este grupo y que les esté pasando factura. No. Para nada. VNV Nation ha estado y estará entre mis favoritos. Pero yo espero mucho más de la música que Ronan Harris nos regala. Si algo ha sido la carrera de este grupo es un continuo experimentar y buscar nuevas referencias e influencias sonoras. Cada nuevo trabajo ha sido una obra de arte redonda. Por esto me da una pena enorme escuchar este nuevo álbum y, a pesar de que le he dado muchas oportunidades, tener que rendirme a la evidencia de que no sólo no suena a nuevo, sino que suena a algo que ya han hecho pero peor facturado.

Reseña: Boreals - Antípodas (por Deni Olmedo)

Tracklist:
01.    Antípoda I
02.    Antípoda II
03.    Invierno fractal
04.    Atlas
05.    No te metas las manos en los bolsillos
06.    Nage
07.    Tiempo líquido
08.    Names of others
09.    Kodama, feat. Lasers

Casi más difícil que reseñar un trabajo de un grupo ya consagrado, o por lo menos con una cierta trayectoria musical a sus espaldas, es hacer lo propio con el trabajo de debut de una nueva banda. Tienes que estar preparado a encontrar por todas partes a los referentes musicales de sus integrantes. Es lo natural. E incluso lo sano. Desconfiad de aquellos que digan que no tienen influencias musicales… Y tratándose del grupo que vamos a reseñar, tened por seguro que sus referencias musicales son claras. Y de lujo.

Pero empecemos por el principio.

Los hermanos Victor y Xavier Paradis y el catalán Miquel Serra (todos ellos insultantemente jóvenes, con edades comprendidas entre los 21 y 22 años) han creado un proyecto de música electrónica al que han bautizado como Boreals. No son precisamente unos principiantes, a pesar de lo que pueda parecer por su edad, ya que tienen a sus espaldas ya dos trabajos en formato EP: Rome EP (2011) y Grecia EP (2012). Ambos los podéis escuchar en su bandcamp (http://boreals.bandcamp.com/) y este 2013 se han decidido a dar el salto y, a través de la discográfica Irregular) publicar su primer larga duración, que responderá al nombre de Antípodas. ¿Y qué vais a encontrar? Pues IDM. Intelligent. Electro. Leftfield. Downtempo. Pero también post-rock e incluso space pop. Suficiente por sí mismo como para despertar vuestra curiosidad.

Pero es que, además, en cuanto suenen las primeras notas de Antípodas I, se os van a venir a la cabeza referentes como Orbital, o Juno Reactor (aunque no lleguen a esas cotas de grandiosidad con las que suelen ir envueltas sus producciones) o sus compatriotas Headscan. Electrónica inteligente, para escuchar con calma. Y que no les tiembla el pulso a la hora de introducir otros elementos, como guitarras, incluso acústicas como en ese tema un tanto inclasificable que es No te metas las manos en los bolsillos (de nuevo vienen a la mente Juno Reactor con su Conquistador, con esas guitarras acústicas y esos coros).

Lo que no esperéis encontrar es oscuridad en este trabajo (una gran diferencia con Juno Reactor, y una gran similitud con Orbital, por ejemplo). Todos los temas que componen este trabajo de casi 38 minutos es luz. Luz y felicidad. Un buen rollo que termina contagiándote y que, cuando te das cuenta, te descubres moviéndote y sonriendo al compás de unos temas que, seguro, vas a escuchar más de una vez. Un trabajo cuya mayor virtud es, sin duda, la facilidad con la que entra y te atrapa, con melodías simples y pegadizas.

Todo un descubrimiento a seguir con muchísima atención.

Reseña: Pride and Fall - Of Lust and Desire (por Deni Olmedo)

Pocas veces un grupo me llama tanto la atención, con un no muy extenso bagaje (sólo cuatro álbumes), como los noruegos Pride and Fall. Ya han pasado 10 años desde su álbum de debut, titulado Nephesh (publicado por Dependent / Metropolis) aunque, como suele ser habitual, sus integrantes ya hacían sus pinitos en otros grupos: Sigve Monsen y Svein Joar A. Johnsen comenzaron en el grupo de goth/darkwave An Evening with Kisses, del que salieron por su intención de hacer música más electrónica y, por qué no (que no es malo), orientada a las pistas de baile. Así que ese fue el germen que terminó desembocando en Pride and Fall, con la inclusión de Per Waagen (que además no era un desconocido, ya que había coincidido con Sigve en una banda de doom llamada Vivandre, en la que también estuvo estuvo Frank Claussen, que luego formaría parte de otra banda bien conocida: Teathre of Tragedy).

Nephesh y su único single extraído, Paragorn, fueron todo un soplo de aire fresco dentro del panorama electro europeo. Su música era el resultado de una mezcla de influencias: metal, industrial, future pop, EBM, trance… Y sobre todo de sus claras ideas de cómo debía ser su carrera: nada de publicar un álbum al año, como han hecho otras bandas de su estilo, sino espaciar sus trabajos para producirlos con gusto. Así publicaron como descarga digital el single Border, que sería presentación de su segundo trabajo de estudio: Elements of silence. Sin duda un paso adelante en su estilo: más definido, con temas más orientados a las pistas de baile y combinándolos con otros más lentos, opresivos, en los que mostraban su innegable talento para escribir letras. La canción que da nombre al álbum es, sin duda, una de mis favoritas. Y es que hay paralelismos en su manera de concebir los álbumes con uno de los monstruos del género: VNV Nation. Así comienzan todos sus álbumes con una canción instrumental que desemboca en un tema que te agarra de la solapa, que te dice Ey! Here we are! Listen us!... Y ya no puedes dejar de escucharles. Y, a modo casi de continuación, sacan a la venta un año después In my time of dying. Digo a modo de continuación porque los temas de ambos álbumes se parecen mucho, musicalmente hablando, incluso parecen sacados de una misma fuente de inspiración… Aunque en esta publicación tan temprana también tuvo mucho que ver el cierre de su discográfica Dependent. Algo que sin duda influyó en la decepción, la oscuridad, la muerte… los temas que rondan por las letras de sus canciones. In my time of dying es, en mi opinión, la cima de su carrera como músicos. Temas casi fantasmagóricos (en el tratamiento de la voz) como I Wither (‘cause everything must die… repiten hasta que se te mete en el cerebro y le ves la lógica… y sí, todo tiene que morir) y de repente te abofetean con un instrumental que te deja con la boca abierta (Black Gate… un tema al que sólo puedo emparentar con Electronaut o Lightwave, de nuevo con VNV Nation) y ese top de tops que es Sacred and Profan. Un tema que cada vez que lo escucho necesito hacerlo 5 o 6 veces seguidas… Todo esto, en 3 años. 

Pero se produce el cierre de Dependent y con él la publicación de un comunicado de la banda, en el que se quejaban amargamente de cómo las descargas ilegales habían acabado con la existencia de una de las discográficas que mejores artistas aglutinaba bajo su techo, a saber, VNV Nation, Covenant, Rotersand, Seabound, Suicide Commando, Velvet Acid Christ, los propios Pride and Fall… En ese mismo comunicado daban las gracias a un Stefan Herwig que fue quién les dio la oportunidad que necesitaban. Y daban razones de por qué dejaban de hacer música. Aunque no aclaraban si este cese era definitivo.

Y silencio. Silencio que se prolongaba año tras año.

Y Dependent vuelve a abrir las puertas. 

Y de repente, en uno de esos discos recopilatorios que editan las discográficas (coincidiendo casi siempre con la época navideña), en este caso Dependence 2012 aparecen de repente, casi a traición, con un tema Reborn (totalmente explícito el título) del que avisan que es tan sólo una maqueta. Y cómo suena. Como si no hubieran pasado cinco años. Y las noticias se precipitan. Reborn estará incluido en un nuevo trabajo, que estaría disponible para finales del verano del 2013. 

Y ese final de verano ha llegado. Y con él Of lust and desire. Y la curiosidad (casi nerviosa) de saber cómo sonarán después de este tiempo de silencio. Sculptor of lust and desire (el primer tema) comienza lento, con unos sintes que me recuerdan al mejor Vangelis: profundos, oscuros, potentes… y sorpresa: ¡no es instrumental! Pero como si lo fuera: la voz de Sigve suena quejosa, oscura, inquietante… Y nos lleva a Hollow, un tema que perfectamente se podría pinchar en una pista de baile y/o escucharla con el volumen bien alto, pero que alterna partes más rápidas con interludios lentos y atmosféricos, lo que la hace también apta para un escucha más tranquila… El tercer tema es Passionate pain. Es una canción lenta, donde la protagonista es la letra y la voz de Sigve. Algo que va a ser una constante en este Of lust and desire. La música es potente. Suenan bien, rotundos. Pero la voz reclama su importancia dentro de lo que es Pride and Fall. 

Turn the lights on devuelve a los Pride and Fall más agresivos, con esos coros fantasmagóricos/distorsionados que son tan marca de la casa. The void let me go first es el primer tema instrumental del álbum. Atmosférico. Decadente. Toda una delicia, que sirve como perfecta introducción a The Comforter. Un tema lento, donde la voz vuelve a ser lo verdaderamente importante. EBM melódica que alimenta el alma. 

Hemos pasado el ecuador de Of lust and desire y la sensación es que Pride and Fall siguen en buena forma. Que no han pasado los años por ellos, en cuanto a interés y calidad. Bien. The Knife viene a demostrar que, aunque los noruegos saben hacer música para las pistas de baile, en este trabajo difícilmente vamos a encontrar un tema que sea así. De nuevo EBM melódica, de pocos BMPs, de producción impecable. Y de ahí llegamos a Reborn. Que suena muy parecido a la versión incluída dentro de Dependance 2012, y a la que han añadido algún arreglo en distintos acordes. Con diferencia el tema con más BPMs y el que más fácilmente puede ser pinchado. Bailable al cien por cien. A river runs through it es toda una sorpresa. Violín. Piano. La voz de Sigve y un fondo atmosférico para una joya que no llega a dos minutos. Triste y decadente. Y preciosa. 

Nos preparamos para llegar al final con otra descarga de energía: Fear your love, es un tema con unos sintes y unos graves potentes, que parece que no va a terminar de despegar, pero sí, el último minuto es puras ganas de bailar, de dejarte llevar. Y Epilogue es lo que su nombre indica: un tema lento, con la batería marcando el ritmo y unos sintetizadores que se mantienen en segundo plano, dejando el protagonismo, una vez más, a la voz. 

Y es que la voz es la absoluta protagonista de este nuevo y esperadísimo trabajo de los de Stavanger. No sólo no decepciona sino que abre nuevos caminos musicales a un grupo que, injustamente, no tiene la fama ni el trato de primeros espadas (llámense Covenant o VNV Nation) pero sí la misma (o más) calidad. Un trabajo que al escuchar una y otra vez muestra nuevos matices. Una gozada para los oídos.

Reseña: Suicide Commando - When Evil Speaks (por Deni Olmedo)

 

 

Tracklist

CD1

 01. Feeding my Inner Hate
 02. Cut_Bleed_Eviscerate
 03. My Blasphemy
 04. When Evil Speaks
 05. Monster
 06. Attention Whore
 07. Repent or Perish
 08. In Guns We Trust
 09. Time (rewind)
 10. Unterwelt
 11. Evacuate (Where’s the Exit Remix)
 12. Song of No Tomorrow

CD2 – When Evil Prevails

01. My Blasphemy (Die Sektor remix)
 02. Attention Whore (Incestuos remix by Alien Vampires)
 03. When Evil Speaks ( Shiv-r remix)
 04. My Blasphemy ( Absolute Body Control remix)
 05. Repent or Perish ( vProjekt remix)
 06. When Evil Speaks ( sin DNA remix)
 07. My Blasphemy (Dust Mix by ES23)
 08. Evacuate (Apocalyptica remix by Betamorphose)
 09. Attention Whore (Hydra Division V remix)
 10. Monster (Unter Null remix)
 11. My Blasphemy (Cygnosic remix)
 12. God is in the Rain (First Black Pope remix)
 13. Attention Whore (Nano Infect remix)
 14. Song of no Tomorrow (Controlled Collapse remix)

Es difícil enfrentarse a un nuevo trabajo de uno de los grupos esenciales para comprender la música electrónica dentro de la EBM/Industrial. Johan Van Roy ha publicado este año 2013 el que es ya su noveno larga duración, que responde al título de When Evil Speaks, y que vino precedido por el single de presentación Attention Whore, que salió a la venta el año pasado.  Medio año ha transcurrido entre single y LP. Para mi gusto demasiado tiempo, aunque es algo a lo que deberíamos estar acostumbrados con Suicide Commando, porque en sus últimos trabajos se ha convertido en lo habitual. Tiempo más que de sobra para escuchar una y otra vez el single y esperar con expectación lo que nos podría llegar a ofrecer en este nuevo álbum. Lo que sí es nuevo esta vez, ya visto con unos pocos meses de perspectivas, es que When Evil  Speaks ha conseguido entrar, por primera vez en su carrera, en las listas de ventas alemanas. No de las alternativas, sino de las generales. Lo que aumentó más mi interés por escuchar qué tenía de nuevo este álbum. Qué había de nuevo. Qué era diferente en esta ocasión, para haberse conseguido colar en las listas de ventas generalistas. Y cuando lo escucho, me invade una sensación de perplejidad que aún hoy no se ha desvanecido del todo. 

«No hay menos distorsión ni en la música ni en la voz, pero…»

es mi primer pensamiento. Y eso tan solo con escuchar dos temas: Feeding my inner hate, una intro opresiva que te va preparando para Cut_Bleed_Eviscerate, que es un tema que parece que va a arrancar y sobrepasar fácilmente los 130 bpm y se queda en un tema oscuro, atmosférico, con una batería y un Van Roy muy contenidos. Pasamos a My Blasphemy, que es otro tema lento, oscuro, decadente. Este no amenaza con acelerar, se le ve venir desde lejos que su estructura musical es lenta, casi de balada (si se puede llegar a decir esto de Suicide Commando). When Evil Speaks, tema que da nombre al larga duración, es otra cosa. Desde el principio te das cuenta de que es un tema destinado a las pistas de baile. 

«Pero… la música parece menos distorsionada. ¿Más elaborada? ¿Menos industrial y más EBM? ¿Estribillos?... definitivamente sí que parece distinto este álbum. Y me recuerda mucho a MIndstrip…»

Sí. Definitivamente When Evil Speaks recuerda mucho a Hellraiser. Un tema agresivo, de bpm elevados, pero que en ningún caso llega a agresiones sonoras del estilo de F*** you bitch! Monster, el quinto tema del tracklist es una vuelta a la EBM más atmosférica. Incluso la voz de Johan está menos distorsionada de lo normal. Una delicia decadente que supera por poco los cinco minutos. Lo que no termino de entender siendo el siguiente tema del tracklist Attention Whore que es, sin duda, el llenapistas de este LP. Poco más a añadir sobre este tema que no se haya dicho ya pero, aun siendo el tema estrella del álbum, no es la electrónica desbocada de temas como el ya mencionado F*** you bitch! (incluído dentro de Bind, Torture, Kill, del 2006), o Pleasures of sin (que era el tema que abría su anterior Implements of Hell, después de una breve intro de 22 segundos). Es mucho más, como os avanzaba, parecido a Mindstrip, pero con la electrónica menos sucia, menos distorsionada. Mindstrip sonaba a puro rodillo: valga como ejemplo temas como Jesus Wept o Love Breeds Suicide, por no hablar del nivel de distorsión vocal… Y pasamos a Repent or Perish y volvemos a encontrarnos con un tema de medios tiempos, con elementos EBM y toques atmosféricos, que podría fácilmente firmar The Orb. Las revoluciones suben con In guns We trust (pero no os creáis que demasiado). Es otro de los temas “rápidos” del larga duración. Pero tiene una electrónica más limpia de lo que nos tiene acostumbrados en sus temas estrella el señor Van Roy. Incluso hay partes del tema, instrumentales, que me recuerdan mucho a Rotersand. Time (Rewind) evoca a sus primeros álbumes: Un tema EBM de no demasiados bpm, pero diferenciándose (de nuevo) en una electrónica menos sucia. 

«Pues empiezo a entender por qué este trabajo ha conseguido entrar en listas generalistas y no se ha quedado tan sólo en las del DAC: en general es el disco más accesible, con diferencia, de toda su carrera. ¿Le ha salido así? ¿Está hecho a posta para conseguir abarcar más público?»

Unterwelt es, de nuevo, un tema rompepistas, pero en la acepción a la que nos vamos a tener que acostumbrar en este trabajo: una electrónica más elaborada, más EBM y menos industrial y una voz más tratada (aun dentro de lo distorsionada que está). Evacuate (Where’s the Exit Remix) me parece un tema de relleno, que además tiene la gracia (o la desgracia, dependiendo de cómo seas de “integrista” con Suicide Commando) de que recuerda más a Combichrist que a Suicide Commando. Una remezcla repetitiva, por momentos hipnótica, que tiene su gracia. Y acabamos con Song of no tomorrow. En el que Johan Van Roy ha sido coherente, termina como empieza el álbum: con un tema casi instrumental, atmosférico, por momentos etéreo, que es una delicia escuchar.

El segundo cd trae las consabidas remezclas entre las que destacan la versión que hace Shiv-R de When Evil Speaks. Consigue ser lo suficientemente original y de calidad como para llamar la atención o la que Erika Dunham (aka Unter Null) hace de Monster. El resto, pues sigue la tónica de lo que vienen siendo las remezclas de temas de Suicide Commando: parece que tengan que ser más agresivas, más distorsionadas, con los bajos más acusados y con la voz más distorsionada, de lo que son los originales. Señores: se espera un poco más de una remezcla, que un simple lavado de cara y un aumento de velocidad. Se espera originalidad. Por lo demás, cumplen a la perfección la premisa de que una remezcla tiene que ser bailable, que lo son. Pero yo espero un poco más de un remix.

Y para los coleccionistas queda la versión de tres cds, con una más que curiosa caja metálica, que trae el directo Rewind [Live Vintage Set], que viene a revisar la gira Vintage Tour que ha ido haciendo Johan a lo largo del año, y que le traerá a Madrid el próximo 12 de octubre, en la sala Arena. Temas clásicos de sus primeros álbumes, como TV-Obsession, Sheer Horror, Mortal Combat o See You in Hell, están presentes.

«Pues para mí es de lo mejor, si no lo es, que ha hecho Suicide Commando. Bailable. Disfrutable al 100 por 100»

When Evil Speaks es un título que juega a despistar. Porque es mucho más accesible para gente que le guste una electrónica más pausada, pero que sin duda seguirá atrapando a los incondicionales del genio belga. Y es que, después de nueve álbumes, tiene más vigencia que nunca el lema “renovarse o morir”. Y sin duda, Johan se ha renovado.

Reseña: IAM{X} - The Unifield Field (por Deni Olmedo)

Tracklist:
01 – I come with knives
02 - Sorrow
03 – The Unified Field
04 – The Adrenalin Room
05 – Quiet the Mind
06 – Under Atomic Skies
07 - Screams
08 – Come Home
09 – Animal impulses
10 – Walk with the Noise
11 – Land of broken Promises
12 - Trials
 

Kiss and Swallow. The Alternative. Kingdom of Welcome Addiction. Volatile times. 

Estos títulos no son simplemente obras maestras de la música. Sin etiquetas. Sin hablar de electrónica. O de rock. O de pop. O de cabaret. Aunque todos estos epítetos le sienten a la música de Iam{X} como anillo al dedo. Sumando las definiciones de cada uno de ellos, aún nos quedaríamos cortos, a la hora de intentar definir la música de este grupo. Dice Grant Ziegler en su reseña de The Unified Field que la música que hace Chris Corner es arte en estado puro, que quizá sea un poco redundante clasificarlo así porque, al fin y al cabo, la música es un tipo de arte. Lo que sí que es cierto es que a la vista del, pongamos una cifra, ¿80? por ciento de la música que se publica, Iam{X} es un oasis en pleno desierto. Alimento para el alma.

The Unified Field (título del álbum y de la canción que ha sido sencillo de presentación, y que le da nombre) es una teoría pseudocientífica que habla de la existencia de una conciencia universal, que une a todo lo que existe en el universo. Con semejante material, es muy difícil que una persona con el talento para componer como el Sr. Corner lo desaproveche. Y más cuando él mismo ha reconocido en alguna entrevista que “se debate constantemente entre la espiritualidad y la ciencia, y que The Unified Field es su intento por aceptar la naturaleza humana como es y aprender a amarla tal cual es, con sus contradicciones”. Pero ya no es solo una aproximación, llamémosla cósmica, a cómo ve la vida Chris, sino que la envuelve en ese halo de sexualidad que dota a sus composiciones, desde sus primeras composiciones. Sexualidad sin obscenidad, eso sí. De ahí que no lleve la pegatina de Parental Advisory. En este nuevo trabajo ha buscado inspiración, además, en gente como el productor Jim Abbiss (que ha trabajado con artistas como Adele o Arctic Monkeys) quien ha dado a Corner una mayor amplitud de miras, introduciendo nuevos instrumentos musicales, como el vibráfono y el carillón (que son ambos muy parecidos al xilófono), la celesta (un instrumento con un teclado en el que los macillos producen sonido golpeando láminas de acero) o el clavicémbalo y su anterior compañero en Sneaker Pimps, el señor Liam Howe, que ha contribuido programando sintetizadores.

Para mí, The Unified Field tiene cuatro piedras angulares: Una es I come with Knives, que es la canción que abre el álbum y que te deja un poco descolocado al principio, con la voz de Janine Henzag cantando en alemán. Pero lo que la hace diferente es, por una parte que es uno de los temas de ritmo más elevado, pero en el que, a la vez, se usan instrumentos como el carillón, que hace que la mezcla sea de lo más afortunada. Por no hablar del bucle que acompaña a los casi 5 minutos de canción… La segunda es, precisamente, The Unified Field. Un tema que desde que lo escuché en el EP de presentación The Unified Field / Quiet the Mind, publicado a finales del 2012, no se me va de la cabeza. Sin duda es la más comercial y la menos Iam{X} de todo el tracklist (y es que por algún lado se tenía que notar las influencias de Abbiss/Howe). Bailable, hipnótica, puro ritmo. Sneaker Pimps meets Iam{X}. La tercera es Screams. Este tema igual daría para hablar durante páginas de él. Para mí es, sencillamente, uno de los mejores temas en toda la discografía de Iam{X}. Falsetes desgarrados y largos. Deliciosamente largos y oscuros. Darksynth que a mí me ha recordado mucho a los Depeche Mode de Songs of Faith and Devotion. Y la cuarta… ¡Qué cuarta! Responde al nombre de Walk with the Noise. De nuevo vuelven los Iam{X} de Kiss and Swallow, de Nightlife, de Think of England o de The Great Shipwreck of Life, de Spit it Out… un tema que está hecho para sonar en directo y cantarla hasta que no te quede voz…

El resto de temas son un muy buen acompañamiento a estas cuatro grandes canciones: Sorrow es una balada de las que les gusta a Chris Corner: el amor como tortura. Medios tiempos que casan perfectamente con la letra. The Adrenalin Room es otro tema muy Sneaker Pimps: triphop + downtempo. Quiet the mind es otro de los temas lentos del álbum. Una nueva balada, en este caso casi por completo acústica. Un homenaje a la mentira. Under Atomic Skies trae de nuevo guitarras acústicas que acompañan a un trasunto electrónico que va increscendo a lo largo de la canción. Come Home vuelve a la introspección y al downtempo. Animal Impulses es la canción con mayor aroma a cabaret del álbum. Trae a la memoria automáticamente a President. Land of Broken Promises es el experimento que cuela en cada trabajo. La que mayor variedad de instrumentación tiene. Y Trials es el cierre perfecto del álbum. Oscura. Ambiental. Tanto que parece un tema de Ulrich Schnauss. Pero con letra…

Estamos ante el trabajo más maduro y elaborado de Iam{X}. Por variedad sonora. Por la sublime inspiración de Chris (una vez más, y van…) a la hora de componer y arreglar las canciones. Que para mí son las mejores de toda su carrera (incluyendo su etapa Sneaker Pimps). Y porque no ha tenido ningún reparo a la hora de evolucionar su sonido. De abandonar esa obstinación de componer, tocar, y producir el solo toda la música. Por haber elegido a dos colaboradores de lujo en Jim Abbiss y Liam Howe. Por hacernos soñar, sentir, gozar, llorar, cantar y disfrutar como pocos artistas saben hacer…

I salute you, Christopher Anthony Corner!